Слон в посудной лавке, или Похождения современного искусства в бутике

В то время как в музеях и галереях проходят показы одежды известных дизайнеров, крупнейшие дома мод все чаще обращаются к современному искусству.

Уверенный шаг домов высокой моды в сторону современного искусства — достаточно логичный ход. И там и там мы имеем дело с предметами роско­ши; правда, по словам Оскара Уайлда, «искусство совершенно бесполезно». Но, как оказывается, не с маркетинговой точки зрения. Современное ис­кусство — эффектный и эффективный способ орга­низовать событие в мире моды. Его потенциальная возможность «оформить», обыграть, привлечь вни­мание к новой товарной линии безгранична, тогда как возможности дефиле банальны и исчерпаны.
С тех пор как agnёs Ь, которую считают одним из пионеров этой тенденции, в 1970-е годы выстав­ляла в своем парижском магазине работы молодых художников и фотографов наравне с дизайнерской одеждой, прошло уже не одно десятилетие. Этот из­начально скорее дружеский и сочувствующий жест окреп и стал общепринятым и вполне обоснован­ным коммерчески.
Последний нашумевший пример такого «сожи­тельства» — Дом моды «Louis Vuitton» на Елисей-ских Полях, который открылся в конце 2005 года перформансом американки Ванессы Бикрофт с обнаженными девушками-«манекенами», дефили­рующими между полками с сумками и аксессуара­ми LV. Ставший уже одной из важных достоприме­чательностей Парижа для туристов и покупателей, этот гибрид магазина и выставочной площадки за­нимает несколько этажей. На первых двух видео­инсталляции, световые скульптуры соседствуют или конкурируют со знаменитыми сумками и аксес­суарами. В отличие от дизайнерских вещей, произ­ведения художников создавались без оглядки на рынок (в идеале) и не обременены ценниками. Привлечение известных художников оказыва­ется беспроигрышным вариантом и с точки зрения кобрендинга с модными домами, поскольку вместе с именем и новой целевой аудиторией приходят свежие идеи на самом разном уровне, будь то отдельная сумка, витрина бутика или показ коллекции одеж­ды и аксессуаров. Так, уже стали объектом коллек­ционирования сумки LV, созданные креативным директором LV Марком Джейкобсом совместно с различными художниками — от Такаши Мураками до Ричарда Принса.
Особый аттракцион Дома — лифты «Потеря восприятия», созданные датским художником Ола-фуром Элиассоном. Несколько минут ощущения абсолютной невесомости — и вы попадаете в про­странство «Espace Louis Vuitton» на 7 этаже, пред­назначенное исключительно для художественных проектов. Организованный три года назад, «Espace» уже имеет громкую выставочную биографию, а сам Дом, очевидно, строит еще более смелые коммерче­ские планы. «Продавать больше сумок? Да, это моя мечта», — с обезоруживающей улыбкой говорит в одном из интервью Ив Карсель, президент и испол­нительный директор «Louis Vuitton».
Отношения между дорогой и прагматичной модой и бедным и честным искусством всегда были подозрительными, скорее на «вы», хотя известны удачные исключения (так, например, шоу Лондон­ской галереи «Hayward» под названием «Обращаясь к столетию — 100 лет искусства и моды» предска­зуемо начинается с «Русских балетов»). Сейчас, на­верное, ситуация меняется: искусство становится высокотехнологичным и очень дорогим. В каких-то случаях уже затрудняешься с определением того, что перед тобой: дизайнерский объект или произ­ведение искусства.
Экономического равноправия, впро­чем, все равно не наблюдается. Сегодня, как и раньше (известно, например, что Шанель поддерживала Дягилева), заказывает и пла­тит исключительно фэшн-индустрия. Дома мод (среди них «Hugo Boss», «Calvin Klein», «Gucci», «Prada», «Jil Sander») спонсируют и заказывают художественные проекты по всему миру. «Hugo Boss» раз в два года опла­чивает администрируемую Фондом Гугген­хайма премию «The Hugo Boss Prize» в раз­мере 100 тысяч долларов за выдающиеся достижения в области современного искус­ства, а всех своих сотрудников обеспечивает специальным билетом ArtPass, который дает им воз­можность беспрепятственно посещать крупнейшие музеи по всему миру. Если в первом случае это новый уровень позиционирования бренда в культуре, то во втором — новый тип корпоративной социализации и способ уйти от повседневной деловой рутины.
Перфекционизм модельеров и дизайнеров модных домов, их холодная респектабельность и обязательная функциональность, а часто — искус­ственность и скука сильно контрастируют с субъек­тивностью искусства и его тенденцией к провокатив-ности. Интимность, наполненность человеческими переживаниями и фобиями, герметичность и «энер­гоемкость» — то, что отличает искусство от предель­но понятной и экстравертной моды, но, возможно, и делает его привлекательным для нее.
Другими словами, дело не всегда в деньгах. Ча­сто «искусство в бутике» — это скорее результат долгого коллекционирования и серьезной увлечен­ности. Считается, что тренд, по крайней мере в Па­риже, задан ювелирным домом «Cartier», и в частности Аланом-Домеником Переном, президентом международного Фонда «Саrtier» и известным кол­лекционером искусства. Заявив о себе на поприще искусства уже в 1984 году, Фонд «Сartier» поднаторел не только в проведении выставок по всему миру, но и в составлении солидного собрания, насчитываю­щего сейчас уже более 1000 работ 300 художников. Коллекция ежегодно пополняется в среднем пят­надцатью крупными произведениями. Среди худож­ников много французов (некоторых, вроде Пьерика Сорена, Фонд прославил), но достаточно и имени­тых иностранцев, чьи работы попали в коллекцию еще на заре их творчества, например Дуглас Гордон и Мэтью Барни, что, безусловно, делает честь безу­пречному чутью представителей Фонда на таланты. Видеоработы, живопись, скульптуру, инсталляции, фотографии разместили в здании, созданном не ме­нее знаменитым Жаном Нувелем. В Италии Фонд «Prada» начал свою деятельность в Милане как проект «Prada MilanoArte», созданный Миуччей Прада и ее мужем и партнером по бизнесу Патрицио Бертелли. Выставочное пространство представляет собой реконструированное промыш­ленное здание, в котором каждый год организовы­валось по два показа признанных художников. Про­ект быстро трансформировался в Фонд, который в начале этого года анонсировал создание в Милане музея площадью 17 500 квадратных метров для по­каза коллекций специально заказанных для этого масштабных произведений таких художников, как Аниш Капур, Луиза Буржуа, Сэм Тэйлор-Вуд, Фран-ческо Веццоли, Дэвид Смит и Томас Деманд. Посто­янный партнер многих проектов «Prada» по всему миру, архитектурный гуру голландец Рем Колхаас к 2012 году должен превратить бывшую индустриаль­ную зону на юге Милана в выставочную площадку. «Искусство, в большей или меньше степени, — моя вторая карьера», — говорит Миучча Прада, заказав­шая Колхаасу музей для своей коллекции, состоя­щей более чем из 500 работ, приобретенных и зака­занных ею за последние 15 лет. Сегодня это одно из лучших корпоративных собраний современного ис­кусства в Италии. Главный куратор выставок и кол­лекции Фонда Джермано Челант — автор знаменито­го шоу «Время и мода» на Флорентийской биеннале 1996 года, одной из первых выставок, исследующих отношения искусства и моды. Поиск «пар» среди мо­дельеров и художников — Миучча Прада и Дэмиен Херст, Аззедин Алая и Джулия Шнабель, Джанни Версаче и Рой Лихтенштейн — породил много дис­куссий и вызвал немало восторгов, правда, не столь­ко в художественных, сколько в модных кругах. Пожалуй, самым грандиозным и инновацион­ным совместным продуктом моды, современного искусства и архитектуры остается «Контейнер современного искусства», принадлежащий компа­нии «Chanel» и спроектированный Захой Хадид для турне по миру. В равной степени похожий на большую белоснежную улитку и знаменитые дам­ские сумочки от «Chanel», павильон элегантен, функционален и разнообразен как в общем замыс­ле, так и в деталях. Заказчику «контейнера» Карлу Лагерфельду, пожалуй, сложно было найти более подходящего автора для реализации этой задачи, чем Заха Хадид — гениальный архитектор текуче­сти, трансформаций и футуристических настрое­ний. Общая площадь павильона — 700 квадратных метров. Художественную начинку его содержимого составляют работы 2i современного художника, в том числе Нобуеши Aраки, Софи Калль, Йоко Оно, Пьера и Жиля и русской группы «Синие носы». Художникам было предложено создать работы на тему канонических дамских сумочек «Chanel», для чего они посетили апартаменты Коко в Париже и мастерские, где делаются эти сумочки. Динамич­ный, с использованием MPз-плееров и звуковых дорожек, реагирующий на скорость восприятия способ подачи художественного материала, судя по всему, лучше один раз пережить, чем сто раз о нем прочитать. Такого еще никто никогда не делал, заверяют создатели. «Обычно люди путешествуют, чтобы увидеть музеи, а теперь путешествует музей. Это совершенно новая концепция. Это другой мир. Это XXI век», - настаивает сайт проекта. Путеше­ствие началось в феврале 2008 года в Гонконге, за­тем арт-контейнер провел лето в Токио, в октябре побывает в Нью-Йорке. Следующим летом будет Лондон, осенью павильон доедет до Москвы и за­кончит турне в Париже.
В России эти новые вея­ния предсказуемо приняли более комммерциализиро-ванный характер и подхваче­ны, например, московским ЦУМом. Это «гетто» ро­скошных бутиков в русской столице летом представило современное китайское ис­кусство на выставке «Китай, вперед!», а в прошлом году поступило еще более смело, отдав свои ремонтируемые верхние этажи под проекты второй Московской биенна­ле. Взяв идею искусства в чи­сто коммерческом контексте и доведя ее практически до крайности, лондонская га­лерея Гагосяна в конце про­шлого года организовала выставку в «Luxury Village» в Барвихе. Там любители искусства могли устроить тест-драйв нового «Бентли» и «Харлей-Дэвидсона», примерить последний костюм от «Кист», уйти до­мой с приобретенной работой Джефа Кунса или даже Пикассо.
Доказывает ли все это, что искусство в послед­ние годы стало более демократичным, или знато­ки моды просто ищут новые возможности придать пикантность шопингу? Возможно, это лишь про­должение процесса превращения искусства в моду, когда на современных художников смотрят как на поп-звезд и когда аукционные дома предлагают по­следние изюминки месяца и что-то вроде быстрой «дозы», все более замещающей глубокое изучение и раздумье, которые всегда были признаками истин­ного понимания искусства. Балансирование на тон­кой грани между искусством и коммерцией имеет долгую историю и прекрасно знакомо как художни­кам, так и дизайнерам. А вопрос о роли художника на рынке, где возможно всё, поставленный еще в эпоху Энди Уорхола, по-прежнему остается открытым.

Вверху: Сезар. «Compression Plate». 1970. Спрессованный автомобиль, сталь. 190*405*60 см. Фото Мюриель Ансан. Любезно предоставлено Фондом Картье

Эндрю Уайт